ANTOINETTE VONLANTHEN
Artiste en arts visuels • Bützbergstrasse 33 • 4900 Langenthal • Tel. +41 62 922 23 45
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Schlagwort: Création artistique Langenthal BE CH

AUTOPORTRAIT D’ARTISTE

Dans cette aquarelle, le large chapeau domine la face du visage. Le dessin propose au spectateur une image de soi en lien avec un souvenir personnel : le chapeau est un cadeau du fils lorsqu’il était domicilié à Santa-Barbara, en Californie. Le visage reflète la douceur d’une mère, le dévouement artistique et la quête de l’épanouissement ainsi que l’ambivalence que cet engagement suppose.

La couleur noire, les couleurs chaudes du chapeau, du visage et du vêtement ainsi que les formes, soulignent la conscience de sa propre valeur.

L’artiste cherche à faire vibrer l’observateur pour qu’il entre dans une dimension artistique authentique, appréhende l’œuvre dans son intégralité, jongle avec l’inconscient : sortir des clichés, comme croire que dans le fait de se dissimuler, la première intention d’une femme est la coquetterie ou qu’elle se définit à travers un accessoire, que la peinture est une distraction parmi d’autres ou encore que son unique intérêt est de plaire. Par son caractère structuré, l’observatrice reconnaîtra son côté masculin et l’observateur son côté féminin.

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Réflexion sur l’autoportrait dans la peinture
Dans mon parcours de peintre, j’ai fait l’expérience que ma profession artistique était souvent définie par mon statut social plutôt qu’à une activité professionnelle : « une femme qui a le temps de peindre est privilégiée pour une cause ou une autre ». « Une artiste peintre qui fixe des prix élevés — et vend les œuvres — est culottée (porter la culotte = commander) ». « Une peintre qui a du succès a de la chance – et non du talent ».

Loin du miroir de l’évolution historique dans le contexte de création des artistes femmes, le portrait de l’image de soi n’est plus seulement une histoire individuelle. Il porte une réflexion sur un débat holistique dans lequel l’art, la culture, la politique, l’histoire et l’économie jouent des rôles transversaux déterminants. Les thématiques féminines, principalement l’autoportrait, expriment autre chose que leurs besoins de reconnaissance à travers l’angoisse, le doute ou même le besoin d’être soutenues en tant que sexe faible. Depuis les années 70, de nombreuses femmes refusent de plus en plus d’être reconnues publiquement selon des critères stylistiques déterminés et suivent leur propre chemin.

Encore au début du 21 siècle, l’autoportrait des artistes femmes était perçu comme une revendication pour leur présence au monde. Il était analysé sous une tendance plus sociologique qu’artistique. L’effort fourni par l’artiste devait correspondre à sa manière de s’adapter dans un environnement masculin, ce qui lui permettait d’accéder à la reconnaissance professionnelle, un peu comme dans l’histoire du cinéma. Mais, dans tous les domaines du monde du travail et à chaque époque, des hommes et femmes ont cherché des formes légitimes de s’affirmer face à des pouvoirs confus et discriminants. L’analyse artistique moderne nécessite une explication multifactorielle des œuvres.

Le débat sur les artistes femmes, pour qu’elles soient considérées comme des professionnelles, reste complexe dans certains courants de pensée artistiques, mais il a bien évolué. De plus en plus, elles s’affirment à travers des attributs propres à leur créativité et ne cherchent ni à tricher, ni à plaire. Cette représentation n’est pas unique au monde artistique, elle est valable pour toutes les catégories professionnelles.

Si l’attribution de génie ou d’innovation est considérée comme exclusivement masculine, la perspicacité féminine étant considérée comme innée à sa condition de créatrice et non comme un exploit, c’est parce que de nombreuses artistes femmes se définissent plus volontiers à travers la pluridisciplinarité. Comprendre l’art des femmes comme de l’art exige un esprit dégagé de stéréotypes. Je soutiens l’expression populaire « l’Art pour l’Art » de Théophile Gautier (1811-1872) poète, romancier et critique d’art français, dans sa fameuse préface du roman Mademoiselle de Maupin, qui cherche simplement à nous expliquer que l’Art n’a d’autre utilité que l’Art. Tout est dit.

Analyser, échanger les différents regards, puis agir pour transformer le milieu artistique implique une véritable sensibilisation du milieu dans ce qui se joue sur la scène au quotidien en matière de pouvoir, de discriminations et de pressions. Une réelle égalité des sexes dans l’art, même de la part de ceux reconnaissant le talent des artistes femmes se pose dans les mêmes termes que dans le milieu professionnel des autres carrières.

Spirituellement, n’y a aucune différence entre mettre au monde un enfant et créer une œuvre. Le désir initial de création est plus fort que tout ; les deux activités exigent l’engagement personnel, même si leur motivation et leur destinée porte sur des réalités différentes.

 

INSTANT MAGIQUE AVEC L’ARTISTE EN ARTS VISUELS

À Langenthal BE, dans une exposition privée, les personnes
intéressées
à l’art pourront admirer des œuvres originales de l’artiste
Antoinette Vonlanthen.
Il y a également environ 30 dessins à voir.

Pour petits, moyens et grands portefeuilles.
Expérience, rencontre, dialogue.

 

Bützbergstrasse 33
4900 Langenthal CH



Visite uniquement avec rendez-vous préalable :
Téléphone +41 (0) 62 922 23 45 / 079 671 37 14
Contact ● www.an-von.ch

Exposition privée d’art – Antoinette Vonlanthen, 4900 Langenthal (Berne)

PEINTURES ET DESSINS | VENTE

Sur réservation, tél. 079 671 37 14 ou Mail contact@an-von.ch

Adresse de l´exposition:

Institut privé de Langue Française et d’Expression (ILFE)
Bützbergstraße 33, 4900 Langenthal

 

Langenthal est facilement atteignable en train ou en voiture. De la gare CFF à la Bützbergstrasse 33, il faut compter 5-7 minutes. En cas de doute, veuillez téléphoner ! Parking à disposition.

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Emplacement: Plan

Les systèmes, Arts visuels à Langenthal CH

Comprendre cette œuvre picturale demande une certaine autonomie: pouvoir interpréter en liberté et laisser libre cours à son émotion. La composition abstraite et ordrée soulève des questions dans un espace harmonieux. Le regard est guidé sur des formes et des couleurs concrètes: des zones limitées, des zones de transfert, des zones en premier et second plan. La couleur rose attire le regard, comme si l’imprévu, la sensibilité et la fragilité, étaient à prendre en considération lorsque les zones se chevauchent.

Au centre, le point rouge renvoie aux autres unités. Il est recouvert par des zones blanches et noires, comme un „tout ou rien“ dans une société agitée. Dans cette architecture, les lignes verticales servent de piliers solides et fiables. La diversité des couleurs dans une composition réduite d’unités, soulève les thèmes de notre propre système de pensée. Chaque chose trouve sa place sans qu’il y ait obligation de tout cerner au même moment.

 

Um diese Bildarbeit zu verstehen, bedarf es einer gewissen Autonomie: in Freiheit zu interpretieren und der Emotion freien Lauf zu lassen. Die abstrakte und geordnete Komposition wirft Fragen in einem harmonischen Raum auf. Der Blick wird von konkreten Formen und Farben geleitet: Begrenzte Flächen, Transferzonen, Zonen im Vordergrund und im Hintergrund. Die rosa Farbe fällt ins Auge, als ob das Unvorhergesehene, die Empfindlichkeit und die Zerbrechlichkeit bei Überlappung der Zonen berücksichtigt werden müssten. In der Mitte bezieht sich der rote Punkt auf die anderen Einheiten. Es ist bedeckt von weißen und schwarzen Bereichen, wie ein «Alles oder nichts» in einer ruhelosen Gesellschaft. In dieser Architektur dienen die vertikalen Linien als solide und zuverlässige Säulen. Die Vielfalt der Farben in einer reduzierten Komposition von Einheiten wirft die Themen unseres eigenen Denksystems auf. Alles findet seinen Platz, ohne dass alles gleichzeitig identifiziert werden muss.

 

La création artistique, c’est comme vivre une relation d’amitié simple et vivante

Dans le travail artistique, tout comme dans la vie courante, j’aime comprendre les choses et les relier dans différents contextes. Mes activés d’artiste en arts visuels s’expriment à tous les niveaux de la réflexion, sans être conduits ou contraints par une élite: explorer et réfléchir sur un monde dans lequel l’homme échappe aux stéréotypes.
On me demande souvent ce qu’est „mon style“. Je trouve le sujet inintéressant. Une fois le style installé, il manque la flexibilité et l’ouverture aux nouvelles choses. Il endort ou paralyse le spectateur. Pour moi, créer de l’art, c’est comme vivre une relation d’amitié simple, profonde et vivante. Elle déclenche des émotions. Dans le processus créatif, je ne me concentre pas sur mes connaissances ou mes points de vue, pas même sur ma volonté. C’est une attitude qui s’installe, indépendante des tendances du marché de l’art.

La destruction, ou la peur, est le moteur de la transformation. En peinture, le pouvoir réside dans la conscience de cette destruction pour y faire face. Le passage de la transformation à la solution nécessite l’effort d’accepter le diffus, le désagréable, l’incomplet et l’ambigu. Dans ce processus de créativité, la recherche de solutions est au centre de l’action. La démarche est similaire à la gouvernance d’entreprise, ou mieux, à l’apprentissage des langues. La vraie créativité ne se limite pas à l’art, elle est transférable à tous les domaines. Le processus est déclencheur de changements. Dans un premier temps, ceux-ci mènent au chaos. Puis, en acceptant cet inconfort passager, les détails de la transformation deviennent plus significatifs et m’aident à trouver de nouvelles idées pour les techniques, les formes et les couleurs. Le processus de créativité est chaque fois différent. Parfois, il est plus lié aux couleurs qu’à la forme, à la consistance du matériel qu’au thème, à l’intuition qu’au résultat. Être créatif, c’est prendre la liberté de rendre l’impensable concevable. À cette fin, il est primordial de prendre en compte toute la palette d’idées, car elle sert de support informatif momentané.  Faire confiance à son intuition renforce le cheminement vers le résultat et le partage. Je pense que les langues ont été inventées dans ce même processus de créativité. En fait, c’est facile.

La collection d’œuvres reflète les différents thèmes et techniques que je traite: paysages, fleurs, portraits, thèmes de tous les jours et aussi des images abstraites comme «Relier les choses dans différents contextes», acrylique sur papier, 21 × 30 cm.